...no sabes de que parte de la tienda se te puede aparecer una
agradable sorpresa.
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31 de marzo de 2010
Géneros discográficos
En mis tiempos comprábamos discos, no música de tal o cual género.
Género, estilo, categoría.
Cuando era niño, en las tiendas de discos había dos grandes secciones:
discos en inglés y en español.
Si había diferentes categorías, pero eran pocos y abarcaban globalmente
casi todas las producciones de la época: baladas, rancheras, tropical y
modernas. Sí: modernas, así le decíamos a las canciones juveniles del
momento.
En la música en inglés, había rock, música disco y también "modernas",
con la misma implicación que en el párrafo anterior se menciona.
Sin embargo, a principios de los años noventa, y con el advenimiento
de aquella costumbre de inventar membretes para los nuevos grupos con
la pretensión de que se inauguraba un nuevo "movimiento" (estrategia
más mercadológica que nada), y con la apertura de tiendas con anaqueles
organizados al estilo de las grandes cadenas estadounidenses, nos
topamos un día con que, de ahora en adelante, había que adscribirse a
un género cuya música habría que comprar. Oh, cuantos excesos verbales
en torno a la palabra "alternativo".
(Ser "alternativo" significaba antes simplemente no entrar en la
rotación de las estaciones comerciales. No tenía que ver en absoluto
con una temática específica de las letras, una manera de tocar la
guitarra o una vocalización que no hacía sino "fusilarse" la forma en
la que Frank Black canta. Pero ante la fama de apariencia rebelde de
los grupos similares y conexos a Nirvana/Pearl Jam/Soundgarden se
inventaron el tal "género alternativo" de la nada. Los ingleses
hicieron algo parecido casi por la misma época, cuando a todos aquellos
herederos de los mods los hicieron pasar como la gran novedad, el "brit
pop". Puro humo publicitario para presentar como un conjunto unitario a
grups disímbolos en calidad y notoriedad).
A olvidarse de lo de antes, de comprar discos en inglés o en español.
Ahora todo se trataba de seguir ls desarrollos del género elegido, que
al paso de los años se iba dividiendo en sub-géneros distintos por
detalles cada vez más insignificantes.
Más anaqueles en las tiendas, más "nuevos movimientos" que hacían
parecer al éxito del momento como la fase inaugural de una nueva época
de la música.
Un hecho que me ha parecido chocante de todo ese sinsentido taxonómico
de la música es el revisionismo histórico al que se ve sometido todo el
repertorio que se escuchaba en otros años.
Inventan géneros del pasado que no existían entonces: la gente en los
60's no compraba discos, por ejemplo, de folk-rock alternativo de
vanguardia, o de rock-fusion callejero oldskool, o como se le ocurra
llamar a algún ocurrente contemporáneo, digamos, a un disco de Bob
Dylan. La gente compraba el sencillo de las canciones que más le
gustaban, y si el artista era de los favoritos, iban a comprar el LP.
De artistas, no de géneros inventados cada tres meses, al momento en
el que se presenta al público nuevos artistas.
Dado que en mis tiempos no había tales divisiones arbitrarias del
público (reproducidas por los productores de música y los
mercadólogos), no había escozor por escuchar tal o cual estilo: se
escuchaba de todo. Pop o rock, tropical o ranchero. La gente optaba por
lo que más le agradaba, pero conocía de muchos estilos.
En la actualidad hay quienes se involucran en una "escena" y se
encasillan oyendo únicamente material fonográfico de una zona cada vez
más reducida de los anaqueles de la tienda de discos. Sólo de esa
región, las otras están proscritas. Estamos ante el provincialismo
auditivo, la atomización sonora.
Yo no tengo temor a salirme de mi parcelita para escuchar de lo que
está en el otro sector de la disquería...
17 de marzo de 2010
Y que quede claro sobre mi mensaje anterior
Respecto a algunos aficionados de The Doors: no es mi intención denostar a
nadie, sólo trato de señalar lo diferente que puede ser la experiencia de
un músico y la de sus seguidores, quizás habitantes de lugares cuyas
condiciones de vida son difíciles en comparación con las de aquel autor
californiano aficionado a la poesía francesa y el teatro contemporáneo.
nadie, sólo trato de señalar lo diferente que puede ser la experiencia de
un músico y la de sus seguidores, quizás habitantes de lugares cuyas
condiciones de vida son difíciles en comparación con las de aquel autor
californiano aficionado a la poesía francesa y el teatro contemporáneo.
Escucho ahora "L.A. Woman", de y con The Doors
Es curioso porque esa canción es una de las más populares de la célebre
banda californiana pero tenía rato de no haberla oído.
banda californiana pero tenía rato de no haberla oído.
Cómo me recuerda ésto a un par de compañeros del bachillerato que, de
manera un tanto intempestiva, se pusieron a bailar esta pieza en una
fiesta de cumpleaños con todo el estilo característico de los rockers
banda de aquella época.
A mí siempre me ha parecido bastante interesante que los rockers locales
hayan retomado la figura de Jim Morrison y de The Doors cuando, según mi
punto de vista, la naturaleza culta y de altas pretensiones artísticas
está un tanto distante de la vida de los barrios en los que han crecido
los chavos banda.
5 de diciembre de 2008
"La canción de Los Pitufos", por El Padre Abraham y sus Pitufos
Pierre Kartner, el mismísimo Vader Abraham, en español. Que lo disfruten.
1 de mayo de 2008
Scarlett Johansson sings and i like it so much
There is a young actress, very very beautiful i must add, named Scarlett.
Scarlett have in his curriculum some movies (i remember always one of my favorites: "Ghostworld").
This extremly beauty blonde woman sings too.
His brand new album, "Anywhere I Lay My Head", is now in the market (and in the www, i must say).
I don't know what are the opinions of other people about it, but i'm listening it right now and i like it so much. This girl sings as a modern Nico, and the music sounds good too.
When i read this beauty, beauty girl record an album my first though was: -Oh, dear, there is another britney-a-like dancin' mtv's bimbo.
Thanks Scarlett, there is something unique.
Anywhere I Lay My Head - Scarlett Johansson
p.s.:
i don't have the album, and for sure there is many ways to find it, good luck
26 de febrero de 2008
El Padre Abraham (sí, el de Los Pitufos) en directo
Hace unos días, en la entrada anterior de esta bitácora dedicada a Los Pitufos y El Padre Abraham (que se puede consultar aquí), el amigo que firma como Héctor Manuel dejó un comentario con esta información:
"Checa esta pagina que habla del Padre Abraham... su verdadero nombre es Pierre Kartner y es un cantante Alemán... Saludos!
http://en.wikipedia.org/wiki/Pierre_Kartner
Gracias Héctor Manuel.
Revisando el enlace encontramos que Padre Abraham es el alter ego de un popular cantante holandés de música pop llamado Pierre Kartner.
Dice en la wikipedia anglófona:
"Dicho cantante ha tenido éxitos notorios en Países Bajos durante las décadas de los 60s y los 70s, con ventas de millones de copias y con diversos proyectos: la banda Corry & de Rekels, a dueto con Wilma Landkroon, y como ese cacique de los suspiritos azules llamado Padre Abraham (Vader Abraham en holandés; resistiré a hacer el obvio comentario humorístico que se puede derivar del enunciado anterior).
"El personaje de Padre Abraham lo creó antes de su relación con los pitufos, para interpretar una canción para algún carnaval holandés titulada "Padre Abraham y sus siete hijos" (¡lo sabía!). Su disfraz consistió en emplear una barba postiza que, al paso de los años fue sustituida por una verdadera.
"En el glorioso año de 1975 el personaje que nos ocupa tuvo su segundo gran éxito "Het kleine café aan de haven", canción que se dice ha sido traducida con versiones en varios idiomas, incluyendo una versión en inglés llamada "The Red Rose Café", de The Fureys.
Sigo con el artículo en la Wikipedia:
"Hacia mayo de 1977 se pidió a Kartner que hiciera una canción promocional para un proyecto de animación, que vino en suerte a ser de Los Pitufos (Smurfs, Les Schtroumpfs), que de inmediato tuvo muchas ventas a mogollón. Ante el éxito que dicha grabación tuvo en Holanda, se hizo versiones para Alemania, Francia, Italia, España (versión que llegó a su vez a Latinoamérica), Suecia y Japón, todas y cada una interpretadas por el propio Padre Abraham.
"Kartner sigue en activo.
He encontrado un video en youtube de un concierto de Vader Abraham con un lleno total, tomado por uno de tantos aficionados de la música del barbado cantante, que pueden ver a continuación, y otro tomado seguramente de algún programa holandés de tv:
Que los disfruten.
"Checa esta pagina que habla del Padre Abraham... su verdadero nombre es Pierre Kartner y es un cantante Alemán... Saludos!
http://en.wikipedia.org/wiki/Pierre_Kartner
Gracias Héctor Manuel.
Revisando el enlace encontramos que Padre Abraham es el alter ego de un popular cantante holandés de música pop llamado Pierre Kartner.
Dice en la wikipedia anglófona:
"Dicho cantante ha tenido éxitos notorios en Países Bajos durante las décadas de los 60s y los 70s, con ventas de millones de copias y con diversos proyectos: la banda Corry & de Rekels, a dueto con Wilma Landkroon, y como ese cacique de los suspiritos azules llamado Padre Abraham (Vader Abraham en holandés; resistiré a hacer el obvio comentario humorístico que se puede derivar del enunciado anterior).
"El personaje de Padre Abraham lo creó antes de su relación con los pitufos, para interpretar una canción para algún carnaval holandés titulada "Padre Abraham y sus siete hijos" (¡lo sabía!). Su disfraz consistió en emplear una barba postiza que, al paso de los años fue sustituida por una verdadera.
"En el glorioso año de 1975 el personaje que nos ocupa tuvo su segundo gran éxito "Het kleine café aan de haven", canción que se dice ha sido traducida con versiones en varios idiomas, incluyendo una versión en inglés llamada "The Red Rose Café", de The Fureys.
Sigo con el artículo en la Wikipedia:
"Hacia mayo de 1977 se pidió a Kartner que hiciera una canción promocional para un proyecto de animación, que vino en suerte a ser de Los Pitufos (Smurfs, Les Schtroumpfs), que de inmediato tuvo muchas ventas a mogollón. Ante el éxito que dicha grabación tuvo en Holanda, se hizo versiones para Alemania, Francia, Italia, España (versión que llegó a su vez a Latinoamérica), Suecia y Japón, todas y cada una interpretadas por el propio Padre Abraham.
"Kartner sigue en activo.
He encontrado un video en youtube de un concierto de Vader Abraham con un lleno total, tomado por uno de tantos aficionados de la música del barbado cantante, que pueden ver a continuación, y otro tomado seguramente de algún programa holandés de tv:
Que los disfruten.
22 de febrero de 2008
Naftalina y su álbum (jocosamente) conceptual
(Imagen cortesía de sangrepesada.blogspot.com)
En esta ocasión me corresponde escribir acerca de un disco que me ha parecido hilarante a la vez que me ha dejado pensando sobre la música contemporánea en México.
El grupo mexicano de rock Naftalina, formado por veteranos del género cuya participación se remonta hasta la década de los 1950, publicó en 1987 el disco “Historia del rock de aquí de México”. Se trata en toda la extensión del término de un álbum conceptual, ya que de principio a fin se ocupa del desarrollo de varias ideas que son la guía de todas las canciones. En una panorámica del género a lo largo de 30 años se describe como una generación entera de rockanroleros estaba entrampada entre el amateurismo y la imitación, aún cuando no carecían por ello de entusiasmo por la música.
Aunque el tema del álbum pueda parecer con esa descripción engorroso y solemne, la gran sorpresa para un servidor al oír cada canción fue descubrir que estos músicos, participantes de esa historia, encontraron en el humor la herramienta para ejercer la autocrítica.
Dado que la historia del género en México consiste en una infatigable cadena de imitaciones, plagios, homenajes de grupos estadounidenses e ingleses (“fusiles” en el habla popular de México, Distrito Federal), la estructura de todas las canciones es semejante: se toma la música una canción conocida y se le pone una letra que le quede, aunque sea a fuerzas.
Puede sonar exagerado a algunos, pero creo que este disco es el testamento de toda una época del rock mexicano.
En palabras de Naftalina:
Me hice la ilusión
De ser muy chingón
Pero fui un bolsón
Me faltó un montón
De imaginación
Fusilándote
Fusilándome
Fusilando a todos
Sin saber por qué
Me hice la ilusión
De ser muy chingón
Pero fui un bolsón
Me faltó un montón
De imaginación
Pero fui un bolsón
Me faltó un montón
De imaginación
Pero fui un bolsón
Me faltó un montón
De imaginación
Pero fui un bolsón
Me faltó un montón
De imaginación
Me faltó un montón
De imaginación
Me faltó un montón
De imaginación
Me faltó un montón
De imaginación
Me faltó un montón
De imaginación
Esta canción se llama “Rock del fusil” y lleva la música de “Every Breath You Take”, a su vez un éxito de The Police.
Me queda la duda:
¿El rock mexicano de verdad ya rebasó esa etapa de plagios? ¿O es que los músicos actuales son cada día más arrogantes, dándoselas de originales aunque lo que hacen dependa de las ocurrencias de cualquier gringo de rango medio?
Se me hace que este álbum no es tanto un testamento.
Mas bien parece una vigente declaración de principios.
P.D.:
Se puede encontrar más información relativa a este disco en el sitio
sangre pesada (de tocho un pocho), sitio pleno de datos acerca del rock mexicano.
13 de abril de 2007
15 de abril: 50 aniversario luctuoso. Pedro Infante murió
Por estos días la noticia más sonada (además de la del sismo de 6.3 grados Richter que se percibió ayer en diversas partes de México), es la del quincuagésimo aniversario luctuoso del célebre cantante ranchero y actor cinematográfico mexicano Pedro Infante.
Es algo obvio para alguien que haya vivido en México, pero para quien no lo sepa le informo que este personaje es lo que Elvis Presley o Frank Sinatra para los gringos. Es un personaje entrañable para muchos en este país, y casi nadie se le ha acercado en fama en México desde su fallecimiento (quizás la excepción sea Rigo Tovar, quizás).
Falleció en un accidente de aviación la mañana del 15 de abril de 1957. Fue una tragedia.
Sin intenciones de burlarme de un hecho semejante, aquí les dejo esta canción, en la que el humorista mexicano Memo Ríos se pitorrea en realidad de una vieja leyenda según la cual este personaje había fingido su muerte para vivir de incógnito sin las cargas de la fama. Se ha dicho cosas semejantes del propio Presley, de Carlos Gardel y de James Douglas Morrison, por ejemplo.
Bueno, oigan esta canción:
Hasta la próxima.
Es algo obvio para alguien que haya vivido en México, pero para quien no lo sepa le informo que este personaje es lo que Elvis Presley o Frank Sinatra para los gringos. Es un personaje entrañable para muchos en este país, y casi nadie se le ha acercado en fama en México desde su fallecimiento (quizás la excepción sea Rigo Tovar, quizás).
Falleció en un accidente de aviación la mañana del 15 de abril de 1957. Fue una tragedia.
Sin intenciones de burlarme de un hecho semejante, aquí les dejo esta canción, en la que el humorista mexicano Memo Ríos se pitorrea en realidad de una vieja leyenda según la cual este personaje había fingido su muerte para vivir de incógnito sin las cargas de la fama. Se ha dicho cosas semejantes del propio Presley, de Carlos Gardel y de James Douglas Morrison, por ejemplo.
Bueno, oigan esta canción:
| Memo Rios - Pedro ... |
Hasta la próxima.
22 de febrero de 2007
Yo creo que:
"La música actual no es original, y musicalmente es mediocre".
"El hip-hop y toda la palabrería gangsteriles impulsado más por razones corporativas que por su mérito musical y artístico: ¿cómo se puede ensalzar la miseria y la violencia de los ghettos?"
"Lo que llaman ahora punk no es punk, lo alternativo no es alternativo, lo irreverente no es irreverente y lo rebelde, pues Rebelde es una telenovela..."
"El público de la música actual es ignorante: no sabe nada de música, sólo conoce las canciones que salieron ayer y cuando escribe en internet lo hace sin la más remota idea de como redactar y escribir sin faltas de ortografía; es discriminador creyéndose irreverente; está compuesto de seres ridículos, que confunden inteligencia con cualquier obscenidad o simpleza, mientras suene bien, fuerte y con muchos efectos de sonido".
"El público de la música actual extraña Radioactivo, y piensa que Olallo Rubio fue grandioso".
De entre todos estos cambios en lo que se programa en la radio desde que se cerró Rock 101, una cosa me disgusta particularmente: que ya a cualquier rolita vieja le digan clásico. Esa costumbre la empezaron en Radioactivo, la siguen en Reactor 105, la cultivaron con éxito en Órbita, la imitaban irremediablemente en Óxido, la trataron de terminar en La Pantera, y parece que se ha quedado para mal. ¡Zaz! Un público sin cultura está a dispuesto a creer que cualquier rolita de Café Tacvba es clásico, porque no conoce nada mejor.
Combate la ignorancia. Lee un buen libro. Escucha un buen disco. Y si no sabes, pregunta a alguien que sepa, pero no a esos perpretadores de Radioactivo...
LOL
P.D.:
Lo mismo para Reactor 105...
postdata wikipédica:
¿adivinen quien es tv_insomne?
"El hip-hop y toda la palabrería gangsteriles impulsado más por razones corporativas que por su mérito musical y artístico: ¿cómo se puede ensalzar la miseria y la violencia de los ghettos?"
"Lo que llaman ahora punk no es punk, lo alternativo no es alternativo, lo irreverente no es irreverente y lo rebelde, pues Rebelde es una telenovela..."
"El público de la música actual es ignorante: no sabe nada de música, sólo conoce las canciones que salieron ayer y cuando escribe en internet lo hace sin la más remota idea de como redactar y escribir sin faltas de ortografía; es discriminador creyéndose irreverente; está compuesto de seres ridículos, que confunden inteligencia con cualquier obscenidad o simpleza, mientras suene bien, fuerte y con muchos efectos de sonido".
"El público de la música actual extraña Radioactivo, y piensa que Olallo Rubio fue grandioso".
De entre todos estos cambios en lo que se programa en la radio desde que se cerró Rock 101, una cosa me disgusta particularmente: que ya a cualquier rolita vieja le digan clásico. Esa costumbre la empezaron en Radioactivo, la siguen en Reactor 105, la cultivaron con éxito en Órbita, la imitaban irremediablemente en Óxido, la trataron de terminar en La Pantera, y parece que se ha quedado para mal. ¡Zaz! Un público sin cultura está a dispuesto a creer que cualquier rolita de Café Tacvba es clásico, porque no conoce nada mejor.
Combate la ignorancia. Lee un buen libro. Escucha un buen disco. Y si no sabes, pregunta a alguien que sepa, pero no a esos perpretadores de Radioactivo...
LOL
P.D.:
Lo mismo para Reactor 105...
postdata wikipédica:
¿adivinen quien es tv_insomne?
Mi experiencia sobre Rock 101
Rock 101 fue una estación de radio que desde la ciudad más grande del mundo, México (flamers, absténganse: así decía la publicidad de la misma) transmitía las 24 horas del día puro, total y absoluto Rock... 101.
Se creó en 1984. Yo la escuché esporádicamente desde entonces hasta que la cerraron, cambiándola por una estación más pop que otra cosa. La escuchaba en un principio porque mi hermana mayor la oía; tiempo después, yo la sintonizaba por mi cuenta.
Lo que más me gustaba de Rock 101 era que los domingos, a partir de las 10 de la mañana, se programaba rock "clásico", lo cual tenía un sentido claro: un clásico es una obra que es ejemplar, relevante, digna de admiración, modelo a seguir u obra cumbre, o todo eso junto. Cada canción que se ponía en ese horario cumplía con esas características, y además, por la costumbre que ahí tenían de "rotular" las canciones con una rúbrica (voz en off que decía el nombre de la canción, el intérprete, el álbum en que se incluía y algunas cosas más que servían a modo de contextualización de la misma) ese horario de la radio era prácticamente una escuela del rock. O así yo la consideraba, pues gracias a esos domingos conocí muchísima música, por lo cual estoy muy agradecido con los programadores.
Yo no era un radioescucha constante de esa estación, he de confesar. Creo que pasé más tiempo, lo confieso, escuchando WFm o Stereo 97.7 (estaciones nada rockeras, lo sé, lo sé, soy un blasfemo), pero mis recuerdos del 101 son vívidos. Por lo tanto, no supe mucho de las grillas entre el personal de esa estación, así que no tomo partido entre las facciones pro Luis Gerardo Salas o pro Jordi Soler (aunque a este último lo tengo más presente), por citar una polémica.
De la música que más se me quedó en la memoria, puedo hacer un memo veloz:
* "Angel", de Everything But The Girl. Me jacto de haber conocido a esa banda 10 años antes de "Missing".
* U2, con "Pride (In the name of love)": fue la primera canción que oí de mi grupo favorito.
De entre las clásicas, están:
* Leonard Cohen. Oh, como me gusta la música de Cohen. Primero oí "Suzanne", y quedé cautivado cuando lo oí en un principio, sin saber hablar inglés; me sirvió como estímulo para aprender ese idioma, y cuando supe lo que realmente decían sus canciones, quedé fascinado.
* Frank Zappa. "Watermelon and The easter haze" fue una revelación para mí, muchísimos años antes de que Lynn Fainchtein malbaratara esa catedral para ponerla en el soundtrack de "Y tu mamá también".
* "Aqualong", de Jehtro 'Tull. Fabuloso. Para mí era tan importante los domingos como la misa para un católico practicante.
* Carole King. Amo la música de esa mujer. Y no tengo temor de admitirlo
LOL
* Joy Division. Su música es estremecedora, fascinante. Nada de medianías, ¿cómo negarse a Ian Curtis y su vida en vilo en cada canción?
* "Stairway to Heaven", de Led Zeppelin, probablemente la canción más grande de todas las de la programación del 101.
* Pink Floyd. Gracias a esos domingos, me enteré de que esa banda era miles de galaxias más que el ladrillo en la pared.
* Bauhaus, con "Bela Lugosi's Dead": aunque no entré en el mundillo oscuro, esa canción era y es genial.
Hay tantas canciones que iré recordando y poniendo en mi blog...
Sin el ánimo de ser pedante, estoy casi seguro de tener un buen gusto musical, y en grande medida se lo debo a los programadores de Rock 101.
¡No gracias a Radioactivo!
LOL
Se creó en 1984. Yo la escuché esporádicamente desde entonces hasta que la cerraron, cambiándola por una estación más pop que otra cosa. La escuchaba en un principio porque mi hermana mayor la oía; tiempo después, yo la sintonizaba por mi cuenta.
Lo que más me gustaba de Rock 101 era que los domingos, a partir de las 10 de la mañana, se programaba rock "clásico", lo cual tenía un sentido claro: un clásico es una obra que es ejemplar, relevante, digna de admiración, modelo a seguir u obra cumbre, o todo eso junto. Cada canción que se ponía en ese horario cumplía con esas características, y además, por la costumbre que ahí tenían de "rotular" las canciones con una rúbrica (voz en off que decía el nombre de la canción, el intérprete, el álbum en que se incluía y algunas cosas más que servían a modo de contextualización de la misma) ese horario de la radio era prácticamente una escuela del rock. O así yo la consideraba, pues gracias a esos domingos conocí muchísima música, por lo cual estoy muy agradecido con los programadores.
Yo no era un radioescucha constante de esa estación, he de confesar. Creo que pasé más tiempo, lo confieso, escuchando WFm o Stereo 97.7 (estaciones nada rockeras, lo sé, lo sé, soy un blasfemo), pero mis recuerdos del 101 son vívidos. Por lo tanto, no supe mucho de las grillas entre el personal de esa estación, así que no tomo partido entre las facciones pro Luis Gerardo Salas o pro Jordi Soler (aunque a este último lo tengo más presente), por citar una polémica.
De la música que más se me quedó en la memoria, puedo hacer un memo veloz:
* "Angel", de Everything But The Girl. Me jacto de haber conocido a esa banda 10 años antes de "Missing".
* U2, con "Pride (In the name of love)": fue la primera canción que oí de mi grupo favorito.
De entre las clásicas, están:
* Leonard Cohen. Oh, como me gusta la música de Cohen. Primero oí "Suzanne", y quedé cautivado cuando lo oí en un principio, sin saber hablar inglés; me sirvió como estímulo para aprender ese idioma, y cuando supe lo que realmente decían sus canciones, quedé fascinado.
* Frank Zappa. "Watermelon and The easter haze" fue una revelación para mí, muchísimos años antes de que Lynn Fainchtein malbaratara esa catedral para ponerla en el soundtrack de "Y tu mamá también".
* "Aqualong", de Jehtro 'Tull. Fabuloso. Para mí era tan importante los domingos como la misa para un católico practicante.
* Carole King. Amo la música de esa mujer. Y no tengo temor de admitirlo
LOL
* Joy Division. Su música es estremecedora, fascinante. Nada de medianías, ¿cómo negarse a Ian Curtis y su vida en vilo en cada canción?
* "Stairway to Heaven", de Led Zeppelin, probablemente la canción más grande de todas las de la programación del 101.
* Pink Floyd. Gracias a esos domingos, me enteré de que esa banda era miles de galaxias más que el ladrillo en la pared.
* Bauhaus, con "Bela Lugosi's Dead": aunque no entré en el mundillo oscuro, esa canción era y es genial.
Hay tantas canciones que iré recordando y poniendo en mi blog...
Sin el ánimo de ser pedante, estoy casi seguro de tener un buen gusto musical, y en grande medida se lo debo a los programadores de Rock 101.
¡No gracias a Radioactivo!
LOL
11 de febrero de 2007
La industria discográfica de EEUU se quedó sin artistas
Y su entrega de premios estuvo aburridísima.
Y por esa razón tuvieron que hechar mano de artistas viejos.
Y por eso cantaron canciones viejas.
Y la canción de James Blunt.
Y la industria del disco está decadente.
Y por esa razón tuvieron que hechar mano de artistas viejos.
Y por eso cantaron canciones viejas.
Y la canción de James Blunt.
Y la industria del disco está decadente.
Obituarios de los Grammy's 2007
En un show desangelado la mayor parte, con una producción errática y un ambiente que padece de gran solemnidad, he visto varias cosas rescatables:
El regreso de The Police: hicieron una versión de "Roxanne" que denota madurez y calidad.
Mary J. Blige es una gran cantante, mis respetos.
Pero el resto del programa me ha parecido desangelado, aburrido. La gente no se prendió siquiera con Shakira y sus caderas llenas de sinceridad...
Fueron premiadas como mejor disco del año las Dixie Chicks, lo cual pareciera que no es relevante fuera de Texas, Arizona y parte de Nuevo Mexico. "Crazy", de Gnarls Barkley, con ritmo sincopado militarista, parecía una audición bizarra para American Idol. Hasta los Red Hot Chilli Peppers sonaron cansinos, con todo y su premio al mejor disco de rock del año.
Lo mejor de la noche fue la sección de obituarios, donde se conmemora a quienes fallecieron en el año anterior a la ceremonia de premiación.
En dicha lista hay nombres de artistas cuyo talento, fama y legado están muy por encima de lo que se puede esperar de la mayoría de ganadores del día de hoy:
Anita O'Day - Cantante de jazz, la mejor scatter femenina cuya voz era toda alegría.
Syd Barret - El primer disco de Pink Floyd estaba pleno del talento de este extraño y "mal viajado" ser .
Arthur Lee - La banda de la cual era líder se llamó "Love". Este grupo no forma parte de la hagiografía psicodélica porque, debido a una cadena de eventos desafortunados, no participaron en grandes festivales como el Monterey Pop o el de Woodstock. Sin embargo, su álbum "Forever Changes" es una proclama acabada de la visión del mundo de la California del Flower Power, las degustaciones de ácido y la perspectiva nada fascinante de ir de vacaciones pagadas al sudeste asiático. Para muestra, lean las letras aquí, y busquen el audio con su preoveedor favorito. Ese disco es excelente.
Blly Preston - Tocó con los Beatles, tuvo un single exitosísimo llamado "Nothing for nothing" y sale en "Blues Brothers 2000".
James Brown: revolucionó la música afroamericana al desarrollar el funk, lo cual es decir grandísima cosa.
Pero ninguno de ellos ya está vivo, y sólo hay Ludacris, Timberlakes, Chicks y demás músicos que son aburridísimos.
Si se van a desvelar viéndo este programa en México por Galavisión, háganlo bajo su propio riesgo.
El regreso de The Police: hicieron una versión de "Roxanne" que denota madurez y calidad.
Mary J. Blige es una gran cantante, mis respetos.
Pero el resto del programa me ha parecido desangelado, aburrido. La gente no se prendió siquiera con Shakira y sus caderas llenas de sinceridad...
Fueron premiadas como mejor disco del año las Dixie Chicks, lo cual pareciera que no es relevante fuera de Texas, Arizona y parte de Nuevo Mexico. "Crazy", de Gnarls Barkley, con ritmo sincopado militarista, parecía una audición bizarra para American Idol. Hasta los Red Hot Chilli Peppers sonaron cansinos, con todo y su premio al mejor disco de rock del año.
Lo mejor de la noche fue la sección de obituarios, donde se conmemora a quienes fallecieron en el año anterior a la ceremonia de premiación.
En dicha lista hay nombres de artistas cuyo talento, fama y legado están muy por encima de lo que se puede esperar de la mayoría de ganadores del día de hoy:
Anita O'Day - Cantante de jazz, la mejor scatter femenina cuya voz era toda alegría.
Syd Barret - El primer disco de Pink Floyd estaba pleno del talento de este extraño y "mal viajado" ser .
Arthur Lee - La banda de la cual era líder se llamó "Love". Este grupo no forma parte de la hagiografía psicodélica porque, debido a una cadena de eventos desafortunados, no participaron en grandes festivales como el Monterey Pop o el de Woodstock. Sin embargo, su álbum "Forever Changes" es una proclama acabada de la visión del mundo de la California del Flower Power, las degustaciones de ácido y la perspectiva nada fascinante de ir de vacaciones pagadas al sudeste asiático. Para muestra, lean las letras aquí, y busquen el audio con su preoveedor favorito. Ese disco es excelente.
Blly Preston - Tocó con los Beatles, tuvo un single exitosísimo llamado "Nothing for nothing" y sale en "Blues Brothers 2000".
James Brown: revolucionó la música afroamericana al desarrollar el funk, lo cual es decir grandísima cosa.
Pero ninguno de ellos ya está vivo, y sólo hay Ludacris, Timberlakes, Chicks y demás músicos que son aburridísimos.
Si se van a desvelar viéndo este programa en México por Galavisión, háganlo bajo su propio riesgo.
2 de abril de 2006
Contrarrestando la gasolina con una cosa de flauta y un tren muy pobre...
Esta noche unos vecinos, no de los más considerados he de mencionar, decidieron hacer partícipes del festejo por el cumpleaños de su hija a cuanto ser humano con capacidad de escuchar es posble encontrar en un radio de 1000 m a la redonda, hayan o no sido invitados. Mi habitación retumba a consecuencia de la estruendosa labor de un "sonido" (combinación de altavoces, amplificadores, dj ambulante y cds) que ha sido alquilado para la ocasión. Dejando de lado el conteo de decibeles, asunto por demás problemático, el problema que aquí encuentro es que la selección musical que debo, a querer o no, experimentar, no es de mi agrado.
Reggaetón: una serie de eventos desafortunados. Eficacia y diseño que harían enorgullecerse a los maestros de la Bauhaus (la escuela de diseño, no la banda): base rítmica que sólo cumple su función, letras llevadas a su mínimo necesario. Monosílabos e imágenes imposibles para algún surrealista de medio pelo: "a ella le gusta la gasolina -- dáme más gasolina".
Ante semejante sucesión inevitable de ejemplos de a lo que ha llegado la música contemporánea (añoro los días en que el dance era complejo: ¡que vuelva 1993!, je) no me dí por vencido, y saqué mi dvd del Monterrey Pop Festival. Este concierto, al que ya había dedicado otra entrada de este blog, me ha gustado desde hace varios años, y al escuchar con calma y paciencia el disco 3 (hasta que la tormenta sonora amainara) me encontré con dos exquisitos hallazgos: The Project Blues y Laura Nyro.
Una canción de The Project Blues viene en este DVD, y se llama "Flute Thing". Vaya, que melodía. Esa "cosa de flauta" es impresionante, una larga pieza que encontré fascinante. En una búsqueda rápida en Google localicé información sobre esa banda, que pudo ser más y debido a problemas internos no logró mayor éxito, aún cuando su calidad era innegable. La página se llama Los60.es. Antes de leerla, sabía nada de ese grupo.
Y Laura Nyro. Oh, tan poco que he oido de ella. Esta mujer tuvo éxitos en voces de otros cantantes (la conocida "And When I Die", que interpreta Blood, Sweet & Tears, es obra suya), pero no tuvo una carrera vistosa. No ayuda a su memoria (falleció en 1997) que se haya creado una leyenda negra sobre su actuación en Monterey: se dice que fue la única participante de ese festival que fue abucheada. No es verdad. Después de su interpretación de "Poverty Train", es aclamada a rabiar, por la audiencia filmada y por mí, fascinado. La cantante, en todo caso, estaba fuera de "onda" entre un elenco donde cundía un gusto psiquedélico (psicodélico, pues) y raga (bendito Lennon que no inventaron el Ragatón). Su música personal y emotiva no estaba a la moda; Janis Joplin, genial de toda genialidad, gozaba con el favor del público.
Algunos links sobre Laura Nyro:
http://lauranyro.net/ophelia.html
http://www.criterionco.com/asp/release.asp?id=168&eid=278§ion=essay&page=7
http://www.soulwalking.co.uk/Laura%20Nyro.html
http://lauranyro.net/monterey.html
Laura y el Proyecto vencieron al escuadrón del ritmo, para descanso de un servidor (¿he comentado que no sé bailar?).
Hasta la próxima.
Reggaetón: una serie de eventos desafortunados. Eficacia y diseño que harían enorgullecerse a los maestros de la Bauhaus (la escuela de diseño, no la banda): base rítmica que sólo cumple su función, letras llevadas a su mínimo necesario. Monosílabos e imágenes imposibles para algún surrealista de medio pelo: "a ella le gusta la gasolina -- dáme más gasolina".
Ante semejante sucesión inevitable de ejemplos de a lo que ha llegado la música contemporánea (añoro los días en que el dance era complejo: ¡que vuelva 1993!, je) no me dí por vencido, y saqué mi dvd del Monterrey Pop Festival. Este concierto, al que ya había dedicado otra entrada de este blog, me ha gustado desde hace varios años, y al escuchar con calma y paciencia el disco 3 (hasta que la tormenta sonora amainara) me encontré con dos exquisitos hallazgos: The Project Blues y Laura Nyro.
Una canción de The Project Blues viene en este DVD, y se llama "Flute Thing". Vaya, que melodía. Esa "cosa de flauta" es impresionante, una larga pieza que encontré fascinante. En una búsqueda rápida en Google localicé información sobre esa banda, que pudo ser más y debido a problemas internos no logró mayor éxito, aún cuando su calidad era innegable. La página se llama Los60.es. Antes de leerla, sabía nada de ese grupo.
Y Laura Nyro. Oh, tan poco que he oido de ella. Esta mujer tuvo éxitos en voces de otros cantantes (la conocida "And When I Die", que interpreta Blood, Sweet & Tears, es obra suya), pero no tuvo una carrera vistosa. No ayuda a su memoria (falleció en 1997) que se haya creado una leyenda negra sobre su actuación en Monterey: se dice que fue la única participante de ese festival que fue abucheada. No es verdad. Después de su interpretación de "Poverty Train", es aclamada a rabiar, por la audiencia filmada y por mí, fascinado. La cantante, en todo caso, estaba fuera de "onda" entre un elenco donde cundía un gusto psiquedélico (psicodélico, pues) y raga (bendito Lennon que no inventaron el Ragatón). Su música personal y emotiva no estaba a la moda; Janis Joplin, genial de toda genialidad, gozaba con el favor del público.
Algunos links sobre Laura Nyro:
http://lauranyro.net/ophelia.html
http://www.criterionco.com/asp/release.asp?id=168&eid=278§ion=essay&page=7
http://www.soulwalking.co.uk/Laura%20Nyro.html
http://lauranyro.net/monterey.html
Laura y el Proyecto vencieron al escuadrón del ritmo, para descanso de un servidor (¿he comentado que no sé bailar?).
Hasta la próxima.
1 de abril de 2006
Damaged People
Damaged People Lyrics
Depeche Mode
We're damaged people
Drawn together
By subtleties that we are not aware of
Disturbed souls
Playing out forever
These games that we once thought we would be scared of
When you're in my arms
The world makes sense
There is no pretense
And you're crying
When you're by my side
There is no defense
I forget to sense
I'm dying
We're damaged people
Praying for something
That doesn't come from somewhere deep inside us
Depraved souls
Trusting in the one thing
The one thing that this life has not denied us
When I feel the warmth
Of your very soul
I forget I'm cold
And crying
When your lips touch mine
And I lose control
I forget I'm old
And dying
(Depeche Mode se presentará los días 4 y 5 de mayo de 2006 en el Foro Sol de México, D.F.)
Depeche Mode
We're damaged people
Drawn together
By subtleties that we are not aware of
Disturbed souls
Playing out forever
These games that we once thought we would be scared of
When you're in my arms
The world makes sense
There is no pretense
And you're crying
When you're by my side
There is no defense
I forget to sense
I'm dying
We're damaged people
Praying for something
That doesn't come from somewhere deep inside us
Depraved souls
Trusting in the one thing
The one thing that this life has not denied us
When I feel the warmth
Of your very soul
I forget I'm cold
And crying
When your lips touch mine
And I lose control
I forget I'm old
And dying
(Depeche Mode se presentará los días 4 y 5 de mayo de 2006 en el Foro Sol de México, D.F.)
14 de marzo de 2006
El sorprendente Monterey Pop Festival, 1997
De los documentales sobre festivales de rock que he visto,
el del Monterey Pop Festival es el que más me ha gustado.
Verlo permite situar en su justa dimensión por qué la onda
de los amorosos y floridos sesenteros fue tan influyente,
atrayendo a tantos alrededor del mundo a esa onda.
La primera vez que lo vi completo y prestando mucha atención
fue en 1997, y estoy casi completamente seguro de que fue por
televisión, en Canal Once (XEIPN), estación pública de México.
Una cosa que siempre me ha gustado de lo que aquí se muestra
es que, aún cuando ya se había incorporado al mainstream de
ese entonces a Mamma's & The Papa's y que ya Scott Mckenzie
había elaborado el tema promocional de un tour conducido por
nadie a Ashbury Heights, que le dio un cariz blandengue a
la recién descubierta contracultura (nueva veta para la
creación de nuevos mitos comerciables), los asistentes al
festival que no tenían acceso al backstage por no formar parte
de la realeza rockanrolera (los blasones anglosajones usan
también flores) compensaban la falta de vestuario y conductas
hippies con su asombro.
Varias de las imágenes que ahora forman parte del anecdotario
indiscutible del rock, repetidas hasta la saciedad en varios
especiales que circulan por las pantallas, para el público de
aquel entonces eran una novedad. La sorpresa ante tales
descubrimientos -la redundante guitarra incendiaria de James
Marshall H, Janis Joplin en su esplendor y la belleza
psiquedélica de eso que hacía Country Joe & The Fish- es
visible en los rostros de los asistentes. La edición del
material filmado es suficiente para dejar meras ilustraciones
de las maneras de aquella época, lo cual difiere sobremanera
con ese circo de exhibicionistas que es "Woodstock". La mayoría
los jóvenes que salen en Monterey Pop no traen ropa hippie,
lo cual indica que no estaban inmersos en la moda hippie,
que irónicamente se puede suponer fue impulsada por la propia
película que nos ocupa.
Mis momentos favoritos son:
-Cuando Mamma Cass, vocalista del grupo al que le daba medio
nombre, observa a Janis Joplin cantando y se queda con la
boca abierta, literalmente. La integrante de Mamma's & The Papa's
tenía gran prestigio como cantante, pero la genialidad de
Janis Joplin estaba sobre todos sus contemporáneos.
-Otis Redding que, a pesar de "jugar de visitante" ante un
público que no está habituado a actos de soul ofrece una de
las actuaciones más emotivas que he mirado en video. Claro,
está acompañado por la tercera parte de los Blues Brothers (!).
-La aceptación que el público tiene del folclor hindú, que
se ve emocionado ante la vista de ese Hendrix de la cítara
que fue Ravi Shankar.
-La modestia que muestra Eric Burdon al interpretar un tema
conocido de los Rolling Stones dándole otro giro. Ahora un cover
tiene como inconvenientes la de exigir del intérprete una
serie de trámites que distan de ser artísticos.
The Complete Monterey Pop Festival
Dirigida por D. A. Pennebaker
1968
3 DVDs
P.D.:
Si ven la edición de tres discos, no pierdan detalle de las
actuaciones completas de Otis Redding y de Jimmi Hendrix,
así como la breve actuación de Laura Nyro.
el del Monterey Pop Festival es el que más me ha gustado.
Verlo permite situar en su justa dimensión por qué la onda
de los amorosos y floridos sesenteros fue tan influyente,
atrayendo a tantos alrededor del mundo a esa onda.
La primera vez que lo vi completo y prestando mucha atención
fue en 1997, y estoy casi completamente seguro de que fue por
televisión, en Canal Once (XEIPN), estación pública de México.
Una cosa que siempre me ha gustado de lo que aquí se muestra
es que, aún cuando ya se había incorporado al mainstream de
ese entonces a Mamma's & The Papa's y que ya Scott Mckenzie
había elaborado el tema promocional de un tour conducido por
nadie a Ashbury Heights, que le dio un cariz blandengue a
la recién descubierta contracultura (nueva veta para la
creación de nuevos mitos comerciables), los asistentes al
festival que no tenían acceso al backstage por no formar parte
de la realeza rockanrolera (los blasones anglosajones usan
también flores) compensaban la falta de vestuario y conductas
hippies con su asombro.
Varias de las imágenes que ahora forman parte del anecdotario
indiscutible del rock, repetidas hasta la saciedad en varios
especiales que circulan por las pantallas, para el público de
aquel entonces eran una novedad. La sorpresa ante tales
descubrimientos -la redundante guitarra incendiaria de James
Marshall H, Janis Joplin en su esplendor y la belleza
psiquedélica de eso que hacía Country Joe & The Fish- es
visible en los rostros de los asistentes. La edición del
material filmado es suficiente para dejar meras ilustraciones
de las maneras de aquella época, lo cual difiere sobremanera
con ese circo de exhibicionistas que es "Woodstock". La mayoría
los jóvenes que salen en Monterey Pop no traen ropa hippie,
lo cual indica que no estaban inmersos en la moda hippie,
que irónicamente se puede suponer fue impulsada por la propia
película que nos ocupa.
Mis momentos favoritos son:
-Cuando Mamma Cass, vocalista del grupo al que le daba medio
nombre, observa a Janis Joplin cantando y se queda con la
boca abierta, literalmente. La integrante de Mamma's & The Papa's
tenía gran prestigio como cantante, pero la genialidad de
Janis Joplin estaba sobre todos sus contemporáneos.
-Otis Redding que, a pesar de "jugar de visitante" ante un
público que no está habituado a actos de soul ofrece una de
las actuaciones más emotivas que he mirado en video. Claro,
está acompañado por la tercera parte de los Blues Brothers (!).
-La aceptación que el público tiene del folclor hindú, que
se ve emocionado ante la vista de ese Hendrix de la cítara
que fue Ravi Shankar.
-La modestia que muestra Eric Burdon al interpretar un tema
conocido de los Rolling Stones dándole otro giro. Ahora un cover
tiene como inconvenientes la de exigir del intérprete una
serie de trámites que distan de ser artísticos.
The Complete Monterey Pop Festival
Dirigida por D. A. Pennebaker
1968
3 DVDs
P.D.:
Si ven la edición de tres discos, no pierdan detalle de las
actuaciones completas de Otis Redding y de Jimmi Hendrix,
así como la breve actuación de Laura Nyro.
13 de marzo de 2006
La inducción al Salón de la Fama del Rock del Reino Unido, 2005
He visto este show en partes, y vi lo que me faltaba ayer, por VH1 Latinoamérica.
Me gustó mucho, porque además de homenajear a algunas de mis bandas favoritas (Joy Division/New Order, Pink Floyd, The Eurythmics, Black Sabbath y los Buzzcocks) y a ese par de seres que por sí mismos definen "soul" y "guitarra eléctrica con soul", es decir, Aretha y Hendrix, percibí algo que no se ve en otro tipo de homenajes: un aire de camaradería y de familia, aún cuando quienes ahí participaron como presentadores y homenajeados cubren un período de cuarenta años. Admirable el respeto que tienen por los músicos talentosos y su legado a la historia.
No me gustaron algunos detalles, sin embargo: Michael Johnson homenajeando a Aretha Franklin; Woody Harrelson riendo incontrolablemente al hablar de Bob Dylan, que parecía seguir los pasos que dicta el maestro en "Everybody must get stoned"; la dirección de cámaras, que le daba más importancia a ese par de inventos de MTV que son las mujeres Osbourne mientras que el acto que parasitan, para más señas Black Sabbath, tocaba con su alineación original en el escenario.
Eso perdió importancia por el sentidísimo homenaje a Ian Curtis que sus deudos de New Order hicieron, y la prodigiosa versión de Slash, Steve Winwood y compañía a "Hey Joe". Prodigiosa versión.
Cuando lo repitan, sin falta lo grabaré.
Me gustó mucho, porque además de homenajear a algunas de mis bandas favoritas (Joy Division/New Order, Pink Floyd, The Eurythmics, Black Sabbath y los Buzzcocks) y a ese par de seres que por sí mismos definen "soul" y "guitarra eléctrica con soul", es decir, Aretha y Hendrix, percibí algo que no se ve en otro tipo de homenajes: un aire de camaradería y de familia, aún cuando quienes ahí participaron como presentadores y homenajeados cubren un período de cuarenta años. Admirable el respeto que tienen por los músicos talentosos y su legado a la historia.
No me gustaron algunos detalles, sin embargo: Michael Johnson homenajeando a Aretha Franklin; Woody Harrelson riendo incontrolablemente al hablar de Bob Dylan, que parecía seguir los pasos que dicta el maestro en "Everybody must get stoned"; la dirección de cámaras, que le daba más importancia a ese par de inventos de MTV que son las mujeres Osbourne mientras que el acto que parasitan, para más señas Black Sabbath, tocaba con su alineación original en el escenario.
Eso perdió importancia por el sentidísimo homenaje a Ian Curtis que sus deudos de New Order hicieron, y la prodigiosa versión de Slash, Steve Winwood y compañía a "Hey Joe". Prodigiosa versión.
Cuando lo repitan, sin falta lo grabaré.
5 de marzo de 2006
Hollywood y la música "de stock"
Una vez conseguí un disco con imágenes de stock. Consistía en varios cientos de archivos de gráficos, en ese caso de paisajes campestres y citadinos. Ese acervo gráfico está a disposición de cualquiera que haya comprado ese disco, para ser usado en sus trabajos (que en mi caso no pasaba de ser una página web de prueba).
El problema obvio con ese empleo de las imágenes era que se podría repetir el uso de las mismas por parte de quienes las emplearan.
Desde hace algunos años tengo la impresión de que en Hollywood se usa de manera semejante a la que acabo de describir a las canciones. A diferencia de lo que es perceptible en las cintas de otras décadas, en la actualidad casi no se compone música original para las películas del mainstream cinematográfico. Se apuesta por lo seguro: tonadas conocidas que (se supone) la audiencia habrá de relacionar con ciertas situaciones cinematográficas con tanta frecuencia que se convierten en lugares comunes. "Born to be wild" se ha convertido, por ejemplo, en la mitad de un gag recurrente que muestra a algún personaje inusual puesto en una moto para tornarse "rebelde", y esto ocurre una y otra vez -ese chiste, que alude a la célebre "Easy Rider" de Dennis Hopper, lo recuerdo graciosamente planteado en la pelcula de Ari Kaurismaki "Vaqueros de Leningrado en América", si la memoria no me falla.
Se pone tales canciones en las películas porque "suenan" y remiten vagamente a la situación que se plantea, y pareciera que el empleo de un stock fijo de canciones fuera consecuencia de la administración de la titularidad de los derechos de autor que ejercen las trasnacionales propietarias de las editoras de música. Y esa mirada de contador público puesta sobre el proceso de producción de las películas trae como efecto la repetición y la muerte de la creatividad hasta de quienes hacen los soundtracks.
Ahora que me doy cuenta, también se administra de esa manera los guiones cinematográficas: qué absurda cantidad de malos remakes se producen en la actualidad! Para muestra, este título: La Pantera Rosa.
El problema obvio con ese empleo de las imágenes era que se podría repetir el uso de las mismas por parte de quienes las emplearan.
Desde hace algunos años tengo la impresión de que en Hollywood se usa de manera semejante a la que acabo de describir a las canciones. A diferencia de lo que es perceptible en las cintas de otras décadas, en la actualidad casi no se compone música original para las películas del mainstream cinematográfico. Se apuesta por lo seguro: tonadas conocidas que (se supone) la audiencia habrá de relacionar con ciertas situaciones cinematográficas con tanta frecuencia que se convierten en lugares comunes. "Born to be wild" se ha convertido, por ejemplo, en la mitad de un gag recurrente que muestra a algún personaje inusual puesto en una moto para tornarse "rebelde", y esto ocurre una y otra vez -ese chiste, que alude a la célebre "Easy Rider" de Dennis Hopper, lo recuerdo graciosamente planteado en la pelcula de Ari Kaurismaki "Vaqueros de Leningrado en América", si la memoria no me falla.
Se pone tales canciones en las películas porque "suenan" y remiten vagamente a la situación que se plantea, y pareciera que el empleo de un stock fijo de canciones fuera consecuencia de la administración de la titularidad de los derechos de autor que ejercen las trasnacionales propietarias de las editoras de música. Y esa mirada de contador público puesta sobre el proceso de producción de las películas trae como efecto la repetición y la muerte de la creatividad hasta de quienes hacen los soundtracks.
Ahora que me doy cuenta, también se administra de esa manera los guiones cinematográficas: qué absurda cantidad de malos remakes se producen en la actualidad! Para muestra, este título: La Pantera Rosa.
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